lunes, 10 de agosto de 2009

Trailer, película gore. Official Tokyo Gore Police.

Atención, vídeo no apto para menores, debido a que puede dañar vuestra sensibilidad. Si quieres verlo, queda bajo tu responsabilidad.

Género gore.


Sin lugar a dudas nos estamos iniciando en el género gore (sangre en castellano) o denominado con el vocablo splatter. Las películas de esta corriente se centran en lo visceral y la violencia gráfica; intentando demostrar la vulnerabilidad del cuerpo humano (de todas las maneras habidas y por haber) y teatralizando su mutilación. Este tipo de películas puede dañar la sensibilidad del espectador, aunque es aún un tabú que en nuestra sociedad se mira con cierta reticencia. Aun así, poco a poco se van viendo en producciones de Hollywood: en EEUU, el gore está ya totalmente instaurado. Quentin Tarantino -Reservoir Dogs (1991); Pulp Fiction (1993) no es solo uno de los directores más reconocidos, sino que se permite apoyar a otros directores amantes del gore como Robert Rodríguez. Y hasta directores como Kenneth Brannagh o Steven Spielberg hacen uso (y abuso) del gore en films como Frankenstein, de Mary Shelley (1994) o Salvad al Soldado Ryan (1998).
Lo más curioso de todo esto es que hay algo más profundo en el gore, algo de crítica social, un mensaje que se esconde en sus sangrientas y viscerales líneas. Por supuesto, algunas películas han usado esta corriente para llamar la atención, hacer películas únicamente desagradables con el fin de impactar y quedar en el recuerdo, o simplemente han fusionado estos ámbitos con la comedia (Bad Taste, por ejemplo)

La película precursora de este género es Blood Feast (1963) que fue todo un éxito; lo repitieron en varias ocasiones con :
2000 Maníacos (1964) o Color Me Blood Red (1965), de los directores/productores: David F. Friedman y Herschell Gordon Lewis. Aunque ya anteriormente se había visto pequeños destellos de este género, censurado, pero plasmado en menor medida que actualmente en la película: "Intolerancia" (1916) de D. W. Griffith (presenta dos decapitaciones y un soldado es atravesado por una lanza)

La verdadera pregunta es si realmente el género gore se le puede considerar arte, ya que, aunque deleita tímidamente con sus recursos artísticos y efectos especiales, su nivel de desagrado puede enmascarar estas pequeñas virtudes. Y como consecuencia, el cine gore sufrió una censura de casi cincuenta años mediante el famoso y restrictivo Código Hays. Realmente este arte, considerado por algunos como pura morbosidad, es algo que tiene qué decir, pero no es apto para todos los estómagos y eso se nota.

Con Blood an Feast empezó a dañar esa baquelita que tanto constreñia a este cine. Recaudó unos siete millones de euros y se mantuvó en varios autocines al sur de Estados Unidos. Se empezó a mostrar en grandes producciones en la pantalla (más como violencia gráfica) como en Bonnie and Clyde (1967), pero se siguió viendo como un tabú en Hollywood.
Sin embargo la película que abrió el cepo de la censura fue: "La noche de los Muertos Vivientes (1968 de George A. Romero)". Y aunque recibió una crítica "pésima", más tarde se reconoció su valía y es considerada como una de las diez mejores películas de 1968.

Y cómo olvidar las grandes películas de Peter Jackson como "Braindead" o "BadTaste". Tampoco podemos olvidar a Sam Raimi con la película que le dio la fama: "Evil Dead" compuesta de una trilogía, aunque se habla de una posible cuarta entrega. De estas películas se compuso un nuevo vocablo denomidado "splatstick", cuyo significado es "gore cómico".

En definitiva, seguiremos buceando por estos mares de sangre y terror para iros trayendo más cositas frescas y sangrientas.




sábado, 8 de agosto de 2009

Comentario película BadTaste.


Rememorando las películas de culto de cierta antigüedad, hoy vamos a comentar una película de culto del gran director Peter Jackson. Estamos hablando por supuesto de Bad Taste(Mal Gusto) Esta película le abrió las puertas de Hollywood, y posteriormente le siguió otro éxito que no es otro que "Braindead: tu madre se ha comido a mi perro". Peter Jackson siempre ha sido un amante del cine de terror y gore, despertando su vena creativa a la corta edad de ocho años y cuando visionó la película King Kong.
Bad Taste rezuma comedia, sangre, vísceras, y momentos de recuerdo, además de acción. La película surgió como una broma entre amigos, pero que a veces el destino, te tiene preparadas sorpresas que no sabes qué esperar.

A menudo, películas de bajo presupuesto pueden dejar productos notables, y en Bad Taste se da el caso; para que os hagáis una idea el presupuesto era de sólo 11.000 dólares, una cifra minúscula en comparación con las grandes superproducciones. El argumento de la película se sitúa cuando unos extraterrestres invaden el pueblo de Kaihoro (en Nueva Zelanda) y asesinan a todos los habitantes del pueblo para encerrarlos en cajas asquerosas como muestras de comida rápida, para el planeta natal de los extraterrestes que han proferido este ataque. Para detener la invasión, el gobierno envía a cuatro paramilitares para detenerla ( a cuál más particular) y se desata todo un caos en el pequeño y masacrado pueblo.
Tiene escenas que se te quedan grabadas en la retina y momentos de auténtico frenesí de risotadas, además de un gore explícito que si bien no llega a incomodar, -en momentos son escenas brutales-, siempre lo enfocan desde una perspectiva cómica.

Uno de los civiles que es como una especie de cobrador (porque en el pueblo era día de pago y cómo es lógico se pasa a recibir los cobros, se encuentra con esta inesperada sorpresa) sale corriendo ante la persecución de un extraterrestre poseído por la ansia de consumir su carne que no es otro que Robert( el propio Peter Jackson) Acto seguido va a parar a una casa, donde están todos y cada uno de los extraterrestres como un enjambre infernal para pasar a la especie humana al menú de degustación intergaláctico.

La película es considerada de culto y tiene unos elementos que son dignos de mencionar porque son curiosidades inusitadas: lo primero, el propio Peter Jackson hace dos papeles: como Derek y como Robert, segundo, los personajes femeninos no aparecen en la película ya que son los extraterrestres ya transformados(como los de la portada), y tercero; los actores y personajes son los amigos y familiares del propio Peter Jackson.
En definitiva toda una película que debéis de ver si os queréis reír y si deseáis ver un guiño a la catapulta que lanzó a Peter Jackson a Hollywood.

viernes, 7 de agosto de 2009

Especial directores. Neil Marshall.


A menudo vemos una película y nos fascina tanto que queremos saber quién es el director. Es lo que me ocurrió al ver la película de Neil Marshall titulada "Descent"(película del Reino Unido y estrenada en 2005) Película que transcurre en un viaje dedicado a la espeleología y que se enfrentan a un enemigo común sediento de sangre. Película que me hizo preguntarme: ¿quién es Neil Marshall? Posteriormente vi otra película que pasó desapercibida para mí, que es anterior a Descent: "Dog Soldiers"; este visionado atemporal de su filmografía acabo por empujarme a guardar una ficha a este director. Con un gran "pero" a título personal con su "particular" Doomsday, que personalmente no me acabó de cuajar, pero es una mera opinión.
Bienvenidos al mundo de los sueños, bienvenidos al mundo, de Neil Marshall.

Neil Marshall nace en Newcastle, en Tyne, en Inglaterra el 25 de Mayo de 1970, y es director de cine y escribe guiones cinematográficos. Marshall hizo su primera película editada por él y dirigida por el mismo, llamada Dog Soldiers (2002); una película que se la considera de culto, que desde aquí estamos totalmente de acuerdo: es una joya imprescindible en tu filmoteca, de verdad. La siguiente película (por la que fue criticado y aclamado al mismo tiempo) se denomina "Descent" otra joya más, pudiendo ser de culto, pero que unánimemente es de obligado visionado. Después, hizo Doomsday (2008), película que no gustó en excesiva ponderación, pero que se puede ver, aunque no sea algo destacable. Actualmente, se encuentra en la filmación de Centurion.

En numerosas ocasiones puedes ver algo que te guste, algo que te incite, que te inspire, que te aliente, que te impulse a crear; ¡qué palabra! "crear", y es que crear es como engendrar tus propias fantasías: ya sea escribiendo, dirigiendo, pensando; cualquier forma puede ser maleable de este mundo con tu poderosa imaginación. Es lo que le ocurrió a Neil Marshall la primera vez que se decidió a dirigir: que fue cuando vio la película "Raiders of the Lost Ark" (1981) cuando sólo tenía once años. El comenzó haciendo sus películas caseras con la cámara de Super 8mm. En los años siguientes trabajó como editor freelance. En 1995 coescribió y coeditó con el director Bharat Nalluri´s , en su primera película: Killing Time (1998); después, cómo hemos dicho, dirigió y editó su primera película que no fue otra que Dog Soldiers (2002)

En el Reino Unido está considerado el mejor Director Independiente gracias a la película "Descent", la que le hizo entrar entre los miembros del Splat Pack, y que gracias a la película ganó el premio Saturno a la mejor película de horror.

Tiene en marcha varios proyectos planeados tales como: Outpost,The Eagle's Nest,The Sword and the Fury,Sacrilege, and Drive.

Habrá que estar atentos a este gran director. Y por supuesto, a sus grandes películas que en la mayoría, son dignas de considerarse auténticas joyas.

lunes, 3 de agosto de 2009

Especial Directores. Dario Argento.


Dario Argento nace el 7 de Diciembre de 1940 en Roma (actualmente tiene 68 años) es un director, productor,y guionista italiano de cine. Es conocido por la influencia y el popularismo que le dio al género giallo y la posterior repercusión que tuvo en películas de terror y conocidisimos slasher (influyó a John Carpenter en Halloween) Su mujer y su hija han trabajado en una de sus películas la Terza Madre 2007(con la que se concluyó una trilogía)

Es hijo del productor de cine Salvatore Argento y la modelo brasileña Elda Luxardo. No entró a la Universidad eligiendo escribir para el diario "Paese Sera". Compaginó el trabajo en el diario con la escritura de guiones; uno de sus trabajos más notables es la colaboración de Bernardo Bertolucci para la película de Sergio Leone, Once Upon a Time in the West. Escribió y dirigió su primera película que le dio el éxito en Italia: "El pájaro de las plumas de cristal", todo, todo un clásico.

Cabe destacar que su estilo como director fue influenciado por el maestro Mario Brava(entre otros), y aunque Mario Brava es el creador del género giallo, Argento fue quién lo popularizó y lo extendió fuera de Italia. El género giallo es un subgénero cinematográfico italiano, derivado del thriller y del cine de terror (curiosa mezcla) El nombre giallo (amarillo en italiano) se debe a que estas películas, están basadas en una colección de novelas con las cubiertas de ese color. Género como ya dijimos, iniciado por Mario Brava con la película : "La muchacha que sabía demasiado(1963)". Dicho género fue el "culpable" de que en la década de los 70 y gran parte de los 80, aparecieran las pantallas con títulos enigmáticos(que tienen su lógica) y protagonizados por psicópatas que amenazan la integridad de bellas mujeres en peligro, bajo una trama intrincada y los inconfundibles guantes de cuero cubriendo las manos del asesino.
Los trabajos más destacados del género giallo de Dario Argento se catalogan de la siguiente forma:
-El pájaro de las plumas de cristal (1970)
-El gato de las nueve colas (1971)
-Cuatro moscas sobre terciopelo gris (1972)

Después volvió al thriller de la mano de Rojo Oscuro (1975), Suspiria (1977) violento y sobrenatural, en la que esta última es la primera de la trilogía de las tres madres. La segunda película de la saga fue Inferno(1980), pero la saga no se llegó a completar por problemas financieros. Aunque más tarde sí lo hiciera como hemos dicho con Terza Madre (2007)

En 1978, participó con George A. Romero, en el Amanecer de los Muertos, como productor. Más tarde, volvió al cine giallo con Tenebrae(1980) y Phenomena(1985) protagonizado por Jennifer Connelly. Su "peor trabajo" desde el punto de vista de la crítica y de los fans, fue Ópera, cargada de incidentes y que resultó ser una mala experiencia para el director. Con el tiempo, y la participación en varias películas de poco "éxito" como "Los ojos del diablo (1990)-adaptación de un relato de Edgar Allan Poe-", Trauma (1993) y una versión del fantasma de la Ópera en 1998; perdió muchos fans y los críticos no lo veían de buena manera. Volvió al género giallo con Insomnio(2001) y el Jugador (2004), recuperando, incluso, alguno de sus fans, pero su nuevo estilo no fue bien visto del todo por la nueva crítica. En 2005 dirigió un capítulo de la saga Master of Horror titulado "Jennifer"-más que recomendable, es muy bueno-, y que fue bien recibido por los críticos. En ese mismo año dirige el telefim: ¿Te gusta Hitchcock? En Diciembre de 2006 se estrenó "Pelts", un nuevo capítulo de la saga Master of Horror, dirigido por Argento, y con cierta acogida.

Finalmente, y para sorpresa de sus fans, en 2007, pudo concluir la saga, o más bien la trilogía de las <<Tres Madres>> con la película : "La Terza Madre".

martes, 28 de julio de 2009

Obra: Cementerio de Animales, de Stephen King.


Que Stephen King es un genio no hay duda. Y lo más curioso de todo, es que antes de que fuera un genio, y se le comenzará a "oír" a través de sus obras, sus condiciones de vida en su momento, fueron precarias: vivió en un remolque, y sufrió problemas de alcoholismo, entre otras cosas. En otro momento, seguro, que hablaremos del maestro del terror.
La obra que hoy comentamos se titula: "Cementerio de Animales", y a nuestro gusto, es una de las obras más célebres de King.
La novela Pet Sematary (Cementerio de Animales) es una obra de terror, publicada por primera vez en 1983. Fue llevada al cine en 1989, y según el autor, está inspirada en el famoso cuento la "pata de mono" de W.W Jacobs.
El libro comienza cuando Louis Creed, un médico de Chicago, se muda a Ludlow un pueblo cercano a Bangor; le acompañan su esposa Rachel, sus hijos Ellie y Gage, además de su gato; "Church". En el momento de llegar a su nuevo hogar conoce a Judson "Jud" Crandall, un hombre mayor quien vive enfrente, al otro lado de la carretera; éste los ayuda cuando la pequeña Ellie se lastima la rodilla al caer y cuando a Gage lo pica una abeja. También los advierte del peligro de cruzar la carretera, debido a los camiones que por allí transitan. Y, más adelante, les invitará a ir a un lugar siniestro y tenebroso: "El cementerio de animales". Todo esto, junto a una serie de circunstancias y hechos que se irán desencadenando, os engancharán en esta genial novela de Stephen King.

Una obra muy notable.

lunes, 27 de julio de 2009

Especial Autores. Clive Barker.


Comenzamos con una sección destacada del blog, en la que expondremos a los autores más reconocidos, y los que no lo son tanto, pero que, por supuesto, tienen un destacado talento. Hoy comenzamos con el señor de lo bizarro y lo grotesco: <Clive Barker>

Nace en Liverpool (Inglaterra) el 5 de Octubre de 1952, es un escritor, director de cine y artista visual (ha participado en la ilustración de sus libros) Estudió Inglés y filosofía en la Universidad de LiverPool.

Es un autor aclamado y destacado por sus géneros de terror y fantasía. Al principio de su carrera comenzó con escritos de terror recogidos en los "Libros de Sangre" (Books of Blood) y la novela basada en Fausto: "El libro de las maldiciones". Más adelante se adentró al género de fantasía con toques de horror.

Un hecho a destacar y que se podría decir que es epicentro de la filosófia de Barker es que existe un mundo subyacente al nuestro, oculto, pero que existe-una idea que comparte con Neil Gaiman-. Suele utilizar un cliché muy caracteristico que sería el rol de la sexualidad con lo sobrenatural, la construcción de mitologías coherentes, complejas y detalladas, aunque a veces, demasiado densas.

Una curiosidad de este autor, es que cuando publicó "Libros de Sangre", en Estados Unidos (en una edición barata), la originalidad e intensidad en los escritos llevó a cabo que Stephen King dijera lo siguiente: : “He visto el futuro del horror y su nombre es Clive Barker”.

Curiosamente, Barker tiene especial interés por el mundo cinematográfico, a pesar de que sus obras hayan tenido diferentes acogidas. La más exitosa fue HellRaiser (película de la que quizás hablemos en un futuro), en 1987 y basada en su novela "The Hellbound Heart". Y que levantó seguidores de culto entorno a ella.

Sus primeras películas fueron los cortos: "The Forbidden(1973) y Salome(1978), todas ellas afestonadas de elementos surrealistas. De su relato "Cabal", salió la película: "Razas de la noche" estrenada en 1990. Fue considerada para la mayoría de la crítica un fracaso estrepitoso. Actualmente, Barker, se encuentra trabajando en la adaptación de sus libros "The Arabat Quartet", bajo la gerencia de Disney y en una película basada en su línea de muñecos "Tortured Souls", de McFarlane Toys. El relato corto, "The Forbidden", en su libro "In the Flesh" originó la base para Candyman y sus dos secuelas. También ha producido la película Dioses y
Monstruos (Gods and monsters, 1998), que recibió, esta vez, el elogio de la crítica.

Le gusta ilustrar sus propias obras; prueba de ello, son las portadas de "Incarnations" (1995) y "Forms of Heaven" (1996) Siendo un fan del cómic, Barker vio su sueño realizado cuando logró publicar su libro de superhéroes; en el momento que Marvel lanzó en 1993: "Razorline". No es un hecho aislado, ha habido adaptaciones de Barker al cómic: HellRaiser, Pinhead, Hijos de la Noche...

También ha participado como creativo en videojuegos, para mí, uno de ellos una obra MAESTRA: "Clive Barker's Undying", desarrollado por Electronic Arts y vio la luz el día de San Valentín en 2001. Juego que transcurre en una mansión -muy bien ambientada-, y en la cuál, suceden sucesos paranormales. Una auténtica joya.
Otro juego en el que participó fue en:"Clive Barker's Jericho" que fue considerado como el juego más terrorífico de la historia (pues fue el escritor quien diseño íntegramente los personajes y escenarios, dotándole de una ambientación muy sufrida y con gran aversión hacia el entorno)

En su vida privada ha reconocido abiertamente su homosexualidad desde principos de los 90, ha mencionado su vida privada para la revista Estadounidense: "Advocate". Vive con su pareja, hija y mascotas.



viernes, 24 de julio de 2009

Comentario pelicula Dark Water. Segundo programa.


Bienvenidos al programa de CinedeTerrordeCulto. Segundo programa que hacemos con todo el cariño del mundo. Esperamos que os guste el programa de hoy, comentando la película que creemos que debe ser de culto: Dark Water.

Hemos decidido que el programa se publique los sábados, aunque hoy, haya sido un día excepcional. Si hubiera algún cambio, os avisaremos en la web. Esperamos vuestras opiniones y comentarios. Gracias a todos los que os habéis pasado, y sobre todo, a los que habéis comentado. Un saludo a tod@s.

Cualquier duda o sugerencia, no dudéis de escribirnos al correo.

jueves, 23 de julio de 2009

Comentario de la película Dark Water.



Dirección: Hideo Nakata.
País:
Japón.
Año: 2002.
Duración: 101 min.
Interpretación: Hitomi Kuroki (Yoshimi Matsubara), Rio Kanno (Ikuko Matsubara), Fumiyo Kohinata (Kunio Hamada), Asami Mizukawa (Ikuko Hamada), Shigemitsu Ogi (Kishida), Mirei Oguchi (Mitsuko Kawai), Yu Tokui (Ohta), Isao Yatsu (Kamiya).

Guión: Yoshihiro Nakamura y Ken-Ichi Suzuki; basado en una novela de Kôji Suzuki.
Producción: Taka Ichise.
Música: Kenji Kawai y Shikao Suga.
Fotografía:
Junichirô Hayashi.
Montaje: Nobuyuki Takahashi.
Diseño de producción: Katsumi Nakazawa.
Estreno en España: 14 Febrero 2003.

En breve el archivo de audio...

sábado, 18 de julio de 2009

Audition. Takashi Miike.


Antes de hablar de la película que le dio el éxito a Takashi Miike en Occidente( puesto que en Japón ya gozaba de cierta fama por sus debut de film teatrales de bajo presupuesto), hay que conocer un poco al director del film.

Takashi Miike nace el 24 de Agosto de 1960 en Yao (una pequeña ciudad que pertenece a las afueras de Osaka, en Japón) y es un director muy prolífico (ha dirigido más de setenta producciones teatrales y televisivas desde su debut en 1991) y controvertido en el más amplio sentido de la palabra.
La prueba que le otorgó la fama en Occidente vino de la mano de Audition, estrenada en 1999 y que generó una cierta polémica hacia el director y su forma de plasmar explícitamente la crudeza en la gran pantalla.

La película que hoy nos abarca dudo de que deje indiferente a nadie, y es que es una trama muy bien conseguida, con un ritmo lento y unos giros a veces correctos y sorprendentes. Aunque, por desgracia, a mi parecer, no deja de aparecer esos momentos inconexos o de cierto repaso para entender ciertos pasajes de la película. Cosas, a veces, demasiado habituales en este tipo de films.

La trama de la película se centra en una vida truncada de un esposo (Aoyama) y su hijo (Shigeyko) por la muerte de su madre y esposa (Ryoko) El principio de la película empieza con Ryoko enferma en un hospital (al menos parece un hospital) y cómo la muerte viene a visitarla en su lecho de forma inexorable. Quizás una parte graciosa de esta parte (al menos a mí me lo parece), es cuando el monitor con el electrocardiograma amenaza con ponerse plano- es decir que Ryoko se muere- y el doctor lo asume al igual que su marido con cierta tranquilidad. Me pareció un empiece débil, pero recubierto de cierto misterio como para seguir visionándolo.
A raíz de este trágico hecho, comienzan a vivir sus vidas, y cómo es lógico, el padre se centra en criar con todas sus fuerzas a su hijo: en concreto pasan unos siete años desde la tragedia y viven sus vidas con la mayor normalidad "posible". Y, a partir de aquí, es cuando surge una conversación de lo más inusual para los más conservadores, pues la relación entre padre e hijo es demasiado heterodoxa; lo que hoy en día sería una relación de lo más moderna (parecen dos amigos más que padre e hijo, pero es una impresión mía). En esta conversación, su hijo, intenta convencer a su envejecido padre (un cuarentón cerca de la mitad de siglo) que intente rehacer su vida y se vuelva a casar, que rencuentre el amor: pues se nota que la tortuosa situación pasada ha hecho mella en su carácter: da la impresión de que es más callado y sólo se dedica por entero al trabajo y a su hijo, y no comparte la vida con nadie más que con lo citado anteriormente.

A media que avanza la película, hay destellos fugaces del apaciguamiento de su soledad, y si os decidís a ver la película-o los que ya la hayáis visto- sabréis a qué me refiero. De hecho, hay una escena en la que afloran de forma reveladora sus pensamientos sexuales a ciertos personajes de la película como un demonio al que no puede acallar. Además de la revelación de ciertos encuentros amorosos ya consumados.

El hombre está sumergido en el tedio de la mundanal vida y familiar, hasta que un día, tomando una copa con un amigo suyo (parece el único en el que puede confiar), le revela las intenciones de volver a casarse. Tras un par de copas, y de comentarios hilarantes y fuera de lugar (escuchar lo que dicen de las chicas que se ríen en una mesa del fondo), su amigo (Yosikawa), que trabaja en una empresa vinculada al cine, tiene una brillante idea: hacer un casting para una película y que elija una candidata para conocerla mejor y ser la aspirante a su corazón. Una farsa para conocer a una mujer con la que compartir su aburrida y rota vida. A Aoyama le fascina la idea, pero se siente como un delincuente por la treta que ambos han hilvanado.

Antes de realizar el casting, Aoyama recibe unos paquetes con las candidatas posibles al papel de la película y debe seleccionar al menos a treinta chicas para el papel. Todas ellas, por supuesto, con una formación específica y que sepan tocar el piano (como su difunta mujer Ryoko)

Casualidades del destino, unas gotas de café se caen en los papeles, y del papel manchado de café, saca la ficha de Yamazari Asami; al instante queda prendado de su belleza, y porque no decirlo, también de su madurez para su temprana edad (unos 24 años),que aparece reflejada en unas palabras muy emotivas y llenas de realidad que escribe en su carta de presentación.

En el casting, Takashi Miike, hace gala de temas tabúes en el mundo del cine (mirar el tipo de preguntas que le hacen a todas las candidatas y a saber cuál será su verdadera finalidad) y diversas subidas de tono en escena. Cuando le toca el turno a Yamazari Asami, despunta en el casting y se nota en el ambiente un interés y asombro desmedido por parte de Aoyama; que por cierto, su amigo Yosikawa no logra entender, pues dice claramente y explícitamente "que no hay química"; de hecho, conforme avance la película, se descubrirá que en el casting, Yamazari Asami miente en varias ocasiones, y Yosikawa le pone en antecedentes a Aoyama, pero éste está tan deslumbrado por sus encantos que ya ha sucumbido a sus aviesas intenciones (cuando la veáis, sabréis a qué me refiero)

Conforme se van sucediendo encuentros esporádicos, ambos se van conociendo mejor, y si os fijáis bien, os daréis cuenta de que es cierto que no hay química( ella es demasiado recatada, pudorosa, y gobierna en sus palabras ese halo de desconocimiento total en su vida) y Aoyama, se ve inmerso en una afanosa manifestación de la vida oculta de Yamazari Asami; él, por el contrario es más abierto, un poco más calculador, pero totalmente enamorado de Yamazari Asami y encandilado a sus atractivos encantos.

En una parte de la película hay una escena que le da un giro y una fuerza tremenda, y es cuando ella no vuelve a llamar a Aoyama (habiendo dicho ya previamente que lo haría) y éste, nervioso por la tardanza de Yamazari Asami en llamarle, la llama. Fijaros bien, porque yo creo que le da una fuerza brutal a la escena; ese saco, que nos inyecta curiosidad desde el primer momento en que lo vemos, y esa postura inerte como una muñeca rota, hasta que suena el teléfono en ese lugar inhóspito y demacrado desde hace años; y cómo en su cara de porcelana se tuerce una sonrisa de una bestia oculta, al saber que tiene a su presa. Es brutal esta escena. Sencillamente genial.

A medida que va avanzando la trama, y ambos se conocen más íntimamente (ya tienen relaciones sexuales), aparece otro pequeño giro en el la trama en la que ella desaparece, y aquí, desde este punto de la película se muestra en todo su esplendor, como un caballo al que le espolea el director para ir a galope tendido. Eso sí, tendréis que estar muy atentos, y atar todos los cabos para entender muchas cosas; pues ya sabéis la fama que tienen los japoneses en sus películas: los míticos flashes sin conexión aparente que te van contando la historia. Imprescindible su visionado; y aunque, sorprendentemente a mí me parezca una obra maestra (qué lo es), el único inconveniente que le veo es su ritmo, y los cambios en éste. A pesar de estos aspectos que he comentado, es totalmente recomendable; pero recordar, ser pacientes y saborear este gran producto de Takashi Miike.

Cuando la veáis, quedaos con este lema: "Nada es lo que parece"

Una película: Sobresaliente.

domingo, 12 de julio de 2009

The Ring.

He de decir que Koji Suzuki es un maestro. Y es que, después de leerme el libro, que más adelante entraré en detalle sobre él, es imprescindible hablar antes de una etapa que marcó este film.
Para quienes no lo sepan Koji Suzuki nació en Shizuoka en 1957 (es la ciudad capital de la Prefectura de Shizuoka en Japón. ) Es un escritor prolífico y arrollador en su país, y acunó el movimiento denominado Jade Horror. Este movimiento, vino propiciado por estos tipos de films y propiciaron que la nueva e incipiente generación de Jade Horror (terror asiático), entrara a tropel en el mercado europeo y al continente Americano. Y no es de extrañar, pues en el estreno de Ringu rompía con los esquemas: un vídeo que si lo ves te mata, el agua como elemento de muerte, conflictos por un fantasma atormentado (Shadako), que por una serie de hechos -que no quiero destripar- entra en escena. Ya no es el típico asesino (del género slasher) que entra a repartir vísceras y sangre de todo tipo; que como curiosidad, en Ring, no hay una sola gota de sangre y logra crear una atmósfera de lo más opresiva y bizarra.
Por supuesto el film viene sacado de su libro "The Ring"(de Koji Suzuki), muy recomendable, pero que si lo leéis os llevaréis alguna que otra sorpresa aún viendo la película, ahí dejo caer eso...
De todos modos, más adelante comentaré el libro, de forma superficial, pues en este blog también hay cabida para la literatura cómo ya veréis en su momento.
En definitiva, Ring marcó un antes y un después en el cine, y si no, mirad la dos secuelas que han hecho en el cine Americano y les ha ido más que rentable.
Película muy recomendable, de culto, y de ritmo lento, pero que si estás atento/a no te aburrirá en ningún momento.

Por cierto, antes de que me olvide, como es obvio, las adaptaciones de novelas a la gran pantalla, viene determinado en gran número de ocasiones por el director, y en este caso fue: Hideo Nakata es un cineasta japonés nacido en Okayama el 19 de Julio de 1961, y le popularizó el estreno The Ringu en 1998.

Y ahora os preguntaréis: ¿cómo es posible que sea Ringu, si se llama The Ring, o incluso el Aro? Bueno, esto se debe a la multitud y pésima traducción de los títulos a algunos países. El Aro en HispanoAmérica, La Llamada en Argentina, o la Señal aquí en España, en fin, todo un compendio de errores en las compañías de adaptación de títulos o de traducción de los mismos. Y yo me pregunto: si un nombre funciona, ¿para qué cambiarlo tantas veces?

Como colofón a este apartado, decir que desde el estreno de la película en Japón, hasta la producción americana, se han hecho diversas especulaciones en cuanto a la posibilidad de que esta película esté basada en hechos reales o bien, en algún mito urbano, e incluso han llegado a atribuírsele responsabilidad por algunas muertes misteriosas en algunas zonas del continente asiático, e incluso llego a especularse que también se habían visto involucradas algunas zonas de América, sobre todo, en NorteAmérica y CentroAmérica. Después de investigaciones, se le ha preguntado directamente al escritor de las novelas originales Kôji Suzuki el cual ha aclarado siempre que pese a que agradece la pasión con la que los fans han acogido la historia, intentando buscarle explicaciones racionales y cabida dentro del mundo real, ésta no esta basada en ningún mito o leyenda: dentro de la historia original llegan a mencionarse personajes reales dentro del folclore japonés; sin embargo, la idea de una Samara Morgan, o en el caso de la versión Japonesa, Yamamura Sadako, resulta inconcebible. Incluso, explica, que la idea de un vídeo maldito surgió cuando al momento de concebir la idea de la primera novela, se encontraba sobre su escritorio una cinta VHS sin marcar.

Una película renovadora y de culto. Puntuación: Sobresaliente